martes, 6 de noviembre de 2012

LA SALSA DE VENEZUELA




Muchos creen que toda la Salsa en Venezuela se remite al gran Oscar D’León, pero en el pasado y en el presente destacan grandes músicos y grandes orquestas que demuestran el potencial musical de un país que, lastimosamente, sólo ha sabido vender “Mises” y Petróleo, pero que perfectamente puede convertirse en una gran potencia turística, industrial y sobre todo musical.  El Festival de Salsa Internacional que acaban de organizar es una muestra de que quieren abrirse al mundo y  lo mejor es que, en materia de Salsa, tienen mucho que decir.
Venezuela es un país con una situación geográfica privilegiada, al norte de Sur América y como tal, ha sabido poner su granito de arena en el complejo rompecabezas musical del Caribe y concretamente en la Salsa.
Haciendo un pequeño repasito a la historia de este país nos encontramos con un punto crucial o de arranque para todos los músicos venezolanos: el descubrimiento y explotación del llamado oro negro.  Tras 30 años de dictadura y atrasos causados por el régimen de Juan Vicente Gómez, el boom petrolero hizo resurgir a toda una nación causando una explosión a todos los niveles, sociales, económicos, culturales, etc.  Es a partir de este momento cuando los músicos venezolanos arrancan con fuerza.

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De las grandes orquestas a los sextetos
En las décadas de los 40 y 50, debido al crecimiento económico, Venezuela se convirtió en la segunda tierra de mucho músicos y productores extranjeros como es el caso de KiKo Mendive, Héctor “Cabrerita” Cabrera,   Luís “Tata” Guerra,  Luís “Billo” Frómeta , entre otros.


Fue éste último quién creó escuela y con su formato de gran orquesta y un repertorio nuevo y original marcó toda una generación en las pistas de baile, con su “Billo’s Caracas Boys”. Hubo otras orquesta que también marcaron época,  como la de Luís Alfonso Larrain, pero fue Billo quien se llevo en gato al agua.
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Otro punto importante en la historia musical venezolana tiene que ver con el derrocamiento del dictador Marcos Pérez Jiménez  (1958). Empieza una nueva etapa musical en la que las grandes orquestas pierden fuelle debido a sus grandes costos y aparecen en escena grupos de pequeño formato, como los combos y los sextetos. En esta época sobresalen  tres grupos importantísimos:

El Sexteto Juventud, Los Dementes de Ray Pérez y Federico y su Combo.

 

…Y se hizo la “Salsa”Agrupar toda una serie de ritmos afrocaribeños bajo el nombre de “Salsa” en Venezuela fue una ocurrencia del locutor Phidáis Danilo Escalona, más conocido como “El Bigotón”, quien en su programa radial “La hora de la Salsa, el sabor y el bembé” retransmitido a lo largo de 3 años en Radio Difusora Nacional de Venezuela (y patrocinado por una gran empresa de salsa de tomate) presentaba a distintos grupos de exponentes de la música caribeña. La gente comenzó a relacionar la hora de la salsa (que gozaba de un horario estelar por su alta audiencia) con el tipo de música que allí se mostraba y  se quedó con ese nombre.

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La “Dimensión” de los 70En la década de los 70 aparecería una de las orquesta más emblemáticas de la historia salsera de Venezuela, La Dimensión latina con el sonero del mundo a la cabeza, Oscar Emilio D’León, pero la historia de este venezolano universal merece ser tratada con profundidad en un capítulo aparte. También en esta década resalta la agrupación del Trabuco Venezolano, liderado por Alberto Naranjo. Ésta agrupación se convirtió en el epicentro de los grandes músicos venezolanos, como Rafael Velásquez, Carlos “Nene” Quintero, Orlando Poleo, entre otros.

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Otros grupos que se han ido agregando a la historia musical venezolana, debido a su gran calidad, han sido: Grupo Mango, Grupo Madera y sobretodo la súper orquesta GUACO, la cual ha sabido crear su propio sello que la hace resaltar a nivel mundial, no para el gran público, pero sí para los melómanos y los grandes músicos salseros internacionales.
Además de los músicos nativos, Venezuela tuvo siempre un gusto exquisito por la salsa brava que se hacía en Nueva York y Puerto Rico. Héctor Lavoe, Willie Colón, Richie Ray y Bobby Cruz y la Fania en pleno, eran himnos que se escuchaban en las barriadas y con los que la gente del pueblo se identificaba porque para la alta sociedad venezolana, la salsa era música de “tierrúos” (marginales).

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Todo ésto dio como resultado que el pueblo venezolano se convirtiera en uno de los más exigentes dentro de la salsa. Hasta el mismísimo Rubén Blades dijo una vez en el Teatro Teresa Carreño de Caracas que cuando se lanzaba un disco, los músicos decían que si pegaba en Venezuela, el éxito estaba garantizado.
Los 80, el declive
Pero eso no duró mucho tiempo. En los 80 llegó la salsa erótica, sin fuerza, sin garra, con sus letras ñoñas y su swing “baladoso” que enfrió a los salseros. El merengue se apoderó del mercado con músicos como Wilfrido Vargas, Fernandito Villalona, Bonny Cepeda, La Patrulla 15…y más tarde, el tecno-merengue de Proyecto 1, Lisa M, y Sandy y Papo…ya venían modificando el gusto de las nueva generaciones y educándoles el oído para la futura incursión del reggaeton. Sin embargo, en los 90,  Salserín, Los Adolescentes, Servando y Florentino, entre otros grupos peleaban por mantener el género y lograron darse a conocer en el exterior. Sobre todo “Adolescentes” rescató la salsa dura y eso gustó y sigue gustando.
Las nuevas generaciones
ImageImageHoy en día, con las nuevas generaciones, todo esto ha cambiado un poco. Ahora el reggaeton ha tomado el poder dentro de la juventud venezolana dejando en un segundo plano a la salsa. Para ellos, éste género está considerado para la gente mayor y es por esto que tampoco la proliferación de éste sea muy abundante hoy en día. Sobresalen agrupaciones como la de Alfredo Naranjo y su Guajeo, Joel Uriola con su Bailatino, entre otras. Debido a esto, la salsa que más suena hoy en día en Venezuela es la década dorada, la de los 70, como puede comprobar cuando visité ese país.  No pude encontrar nada nuevo, todo era de esta época, pero tampoco me importó demasiado, lo gocé igual con mi traguito de ‘Ron Pampero’ al lado.
Discos recomendados
Guaco Archipielago
El Sonero Clásico del Caribe Vol.1 y 2
Billo's Caracas Boys 24 súper éxitos
Los Dementes Manifestación en salsa
La dimensión Latina Dimensión Latina 75
Alfredo Naranjo y su Guajeo Tributo

Frank Hernandez, octubre 04 del 2007

viernes, 31 de agosto de 2012

TITE CURET ALONSO



Tite Curet Alonso  nacio el 12 de febrero de 1926   - murio el 5 de agosto de 2003) fue un reconocido compositor de más de 2000 canciones de salsa.

Primeros años

Catalino Curet Alonso nació en el pueblo de Guayama en Puerto Rico. El padre de Alonso era un profesor de idioma inglés y músico en la banda de Simon dice. Tenía dos años en 1928 cuando sus padres se divorciaron, su madre y la hermana se trasladaron a Barrio Obrero en Santurce con su abuela. La vida en este barrio y sus experiencias allí influenciaron su música. Su abuela lo crio y recibió educación primaria y secundaria. En 1941 cuando tenía 15 años, escribió su segunda canción. En su niñez sus amigos eran Rafael Cortijo, Ismael Rivera y Daniel Santos.


Carrera como compositor

Después de que se graduara en la secundaria, ingresó en la Universidad de Puerto Rico en donde estudió periodismo y sociología. Trabajó para el Servicio Postal de los Estados Unidos por más de veinte años. Mientras tanto también estuvo componiendo canciones. En 1960 el se trasladó a Nueva York y trabajó para el periódico “La Prensa" como periodista de los deportes. En 1965, Alonso encontró al percusionista y cantante de salsa Joe Quijano, quien por primera vez llevó al disco una composición suya, titulada "Efectivamente". Alonso desarrolló un estilo único que se conoce como “salsa con una conciencia"ン. Escribió canciones sobre temas sociales y románticos que hablaron de los negros pobres y de las dificultades a las que se enfrentan. También centró muchas de sus canciones en lo que el llamó la belleza de los negros caribeños.


A través de su vida, Alonso compuso más de dos mil canciones. Algunos artistas que intrepetaron sus canciones son: Joe Quijano, Wilkins, Cheo Feliciano, Celia Cruz, La Lupe, Willie Colón, Tito Rodríguez, Olga Guillot, Héctor Lavoe, Ray Barretto, Tony Croatto, Rubén Blades, Tito Puente, Ismael Miranda, Roberto Roena, Bobby Valentin, Marvin Santiago, Willie Rosario, Chucho Avellanet, Andy Montañez, Rafael Cortijo, Tommy Olivencia y Frankie Ruiz. Su canción Las Caras Lindas (De Mi Gente Negra) registrada por Ismael Rivera, es considerada por muchos como obra clásica. Años siguientes Alonso casó y tuvo una hija. La unión no duró y el y su esposa se separaron. En 1985, El conoció a Norma Salazar con quien vivió el resto de su vida.


Muerte

Tite Curet Alonso murió el 5 de agosto de 2003 de un ataque al corazón en Baltimore, Maryland. Richie Viera, puertorriqueño y William Nazaret, venezolano, ambos amigos de Tite, se cercioraron de que transfirieran al cuerpo de Alonso a Puerto Rico. En Puerto Rico le dieron el entierro de un héroe, primero la ceremonia fue llevada a cabo en la funeraria Buxeda de Hato Rey, luego el cuerpo se trasladó al instituto de la cultura puertorriqueña en el Viejo San Juan con un protector de honor y luego entonces en el edificio del capitolio de Puerto Rico en San Juan, posteriormente a la alcaldía de San Juan donde fue recibido por el alcalde Hon. Jorge Santini . Finalmente fue sepultado en el Cementerio Santa María Magdalena de Pazzis en San Juan. Rubén Blades suspendió algunas fechas de su tour de despedida (antes de ser el ministro de turismo para Panamá) para asistir al entierro de Alonso. Cheo Feliciano, su amigo más cercano, era uno de muchos famosos que asistieron a su sepelio. donde muchos de ellos aportaron y su tumba fue enchapada en oro de 24 kilates
En el vídeo musical del tema "La Perla" del grupo puertorriqueño Calle 13 que cuenta con la colaboración de Rubén Blades puede verse como éste deja un CD a modo de ofrenda sobre la tumba de Tite Curet Alonso

CONJUNTO CHAPOTTIN




Conjunto Chappottin es una banda de son Cubano ubicada en la  Habana bajo la direccion musical del trompetista  y arreglista  Jesus Angel Chapottin Coto y el percusionista y sonero Miguel Cuni Jr. El grupo es uno de las bandas mas tradicionales de son de Cuba por mas de 50 años de experiencia.
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 Historia 
La fundacion de la banda  comienza a finales y de los años 30 y su fundador Arsenio Rodriguez fue uno de los mas renovadores lideres de banda dentro de Cuba  con mayor influencia dentro del Latin Jazz y la musica salsa de las nuevas generaciones musicales. 

El maestro con su conjunto fue el primero en adicionar Piano, Bajo , 4 trompetas y tumbadoras dentro de su Conjunto, pero al escucharlos parecia una Big Band.

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La estructura musical del conjunto estaba compuesta por:

 1...Piano (En el Comienzo Ruben Gonzales , reemplazado por : Lili Martinez)
 2...Contrabajo...  Sabino Peñalver 
 3....Tres ...Arsenio Rodriguez, reemplazado despues por  Ramón Cisneros
 4...Bongo....Antolín Suárez “Papa – kila”
5...Conga o tumbadora...Félix Alfonso “Chocolate”
6...4 trompetas  (Felix Chapottin, Pepín Vaillant, Aquilino Valdés y Cecilio Serviz)
7...4 cantantes (Miguel Cuni, Rene Scull ...Primo de Arsenio )




Cuando Arsenio salio de cuba en 1950 hacia la ciudad de New York para hacerse un tratamiento y a la vez una intervencion quirujica con el fin de recuperar de nuevo su vista, deja como director musical al primer trompetista y amigo Felix Chapottin .La banda renovo su razon social como: Felix Chapottin  y su Conjunto

 Felix Chapottin dirije la banda continuamente hasta el año de su muerte en 1983. Desde 1983 hasta 1990 , su hijo Angel Chapottin Valdez fue su director musical.Desde entonces el nieto de Felix Chapottin , Jesus Angel Chapottin Coto  ha dirijido el "Conjunto Chapottin " junto a Miguelito Cuni Jr, cantante y percusionista. Debo hacer enfasis que los fundadores de la Orquesta por razones de tiempo han dejado de existir y en su reemplazo lo han hecho sus familiares como es el caso de Miguelito Cuni Jr, hijo del gran sonero Cubano Miguel Cuni.   
 


El Conjunto Chapottin y sus estrellas es uno de los mas renovados de bandas de son del mundo y a su vez ha tenido la oportunidad de estar diferentes lugares de America Latina, Europa y diferentes paises de Africa.

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La banda tiene como objetivo seguir la tradiccion musical de sus fundadores y como siempre teniendo el son-montuno , guajira , guaracha , mambo , danzon, danzonette , charanga, afro-son , rumba guaguanco y cha-cha-cha.

Con la tradicional trompeta y el ingreso del piano ,el grupo de Arsenio Rodriguez cambio el modo tradicional del canto del son .Arsenio Rodriguez fue uno de los mayores influyentes de la musica cubana en el ultimo siglo y tambien fue importante dentro de la musica salsa y el Latin Jazz.

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 Bajo la direccion de Felix Chapottin , el sucesor de  Arsenio Rodríguez  y director musical por mas de 30 años, ha sido comparado con Louis Armstrong,en la forma de tocar el instrumento lo convierte dentro de una leyenda no solo en su pais sino en el mundo entero.A su vez debemos  de decir que Louis es uno de los mayores lideres de banda de jazz que ha dado el mundo.


Miembros Actuales

  • Jesús Angel Chappottín Coto : trompetista ydirector musical
  • Miguel Arcángel Conill Hernández (Miguelito Cuní JR) :cantante y percusionista
  • Angel Remigio Laborí Hernández : piano
  • Francisco Vasallo Labrada : tumbadora
  • Eduardo Antonio Canas Oliva : percussion
  • Manuel Guará Colás : trompetista
  • Gregorio Martínez Pedroso : trompetista
  • Roberto Ortega Oviedo: trompetista
  • José Lussón Bueno :cantante
  • Eduardo Font Paniagua :cantante
  • Eduardo Sandoval Nobregas :cantante


Discografia de los ultimos 15 años

  • 1992: Estrellas de Cuba
  • 1993: Chappottin y su Conjunto
  • 1993: Sabor Tropical
  • 1995: Canta Miguelito Cuni
  • 1995: Chappotin y sus Estrellas
  • 1995: Serie de Oro
  • 1997: Que Se Funan
  • 1999: Senores del Son
  • 1999: Mi son mi son mi son
  • 2000: Seguimos Aqui Chappottineando
  • 2001: Mariquitas y Chicharrones
  • 2001: Havana Social Club
  • 2002: La Guarapachanga
  • 2003: Son, Boleros y Montuno Con Sabor a Quimbombo
  • 2003: Una Nueva Generacion
  • 2006: Conjunto Chappottín y Sus Estrellas.
  • 2007: Vuelven Los Señores Del Son

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EL PADRE DE LA SALSA Y EL GUAGUANCO   " ARSENIO RODRIGUEZ " , en compañia de el Conjunto Chapottin siempre estara aqui en el Fulgor Caleño.

Cronica escrita por Albeiro Sanclemente Delgado


jueves, 30 de agosto de 2012

QUE ES LA CHARANGA?



Antonio María Romeu Marrero  nacio en Jibacoa, Cuba, 11 de septiembre de 1876; y fallecio en La Habana 18 de enero de 1955. Fue un pianista cubano, compositor y director de orquesta. Su orquesta, especializada en la interpretación del danzón lideró el género de la charanga por más de treinta años.

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Biografía


Romeu estudió música en 1884 con Joaquín Mariano Martínez. A los 12 años tocó su primer baile y compuso su primera obra. En 1899 se mudó a La Habana y tocó en algunos cafés.

Fue invitado a tocar en la "Orquesta Cervantes", una de varias charangas fundadas a principios del siglo XX. La "Orquesta Cervantes" fue la primera formación conocida en incorporar el piano en la música popular cubana.
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Inicialmente llamadas charangas francesas, las charangas suplantaron a las típicas como el estilo instrumental de interpretación del danzón. La idea básica era lograr un tono más alto y brillante que la orquesta típica eliminando los metales, reemplazando el clarinete con una flauta y adicionando las "pailas criollas", ahora llamadas timbales.



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Romeu fundó su propia orquesta en 1910. La formación inicial fue: Romeu (piano); Feliciano Facenda (violin); Alfredo Valdés (flauta); Rafael Calazán (contrabajo); Remigio Valdés (timbal); Juan de la Merced (güiro). Era un grupo pequeño. En los años veinte la orquesta incluye a Francisco Delabart (flauta); Augusto Valdés (clarinete); Juan Quevedo (violin); Aurelio Valdés y Félix Vásquez (güiro); Antonio María Romeu hijo (violin); Pedro Hernández (violin); Dihigo (trompeta); Regueira (trombón) yJosé Antonio Díaz (flauta). En los años treinta se incorporaron todavía más músicos hasta formar todo un 'big band'. No obstante, con el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial y la caída del turismo la banda redujo su tamaño.


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El danzón fue desde sus comienzos en los años de 1870, un género instrumental. Pero en los años veinte las bandas empezaban a incluir cantantes . La banda Romeu tuvo inicialmente a Fernando Collazo, y en los años treinta a Barbarito Díez. Desde el princio y a lo largo de su carrera Romeu empleo músicos de todos los tipos raciales como las orquestas cubanas habían hecho desde el siglo XIX.
Al morir Romeu, la orquesta fue liderada por un tiempo por su hijo, también de nombre Antonio María Romeu, así como por Barbarito Diez.

Composiciones

Romeu escribió más de 500 danzones, algunos de los cuales han sido adaptados a otros ritmos cubanos; algunos fueron originales y otros, adaptaciones de trabajos existentes. Su trabajo más famoso es Tres lindas cubanas, arreglo de una antigua canción. Otros famosos danzones lo son Siglo XX, La danza de los millones, El servicio obligatorio, Cinta azul, El mago de las teclas, Jíbacoa y La flauta mágica (en colaboración con Alfredo Brito). También arreglos a temas como Guarina y Perla marina de (Sindo Garay), Mares y arenas de (Rosendo Ruiz), Mercedes de (Manuel Corona), Aquella boca de (Eusebio Delfín) o La cleptomanía de (Manuel Luna) por mencionar algunos

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 El conjunto instrumental que hoy en día conocemos como charanga u orquesta típica tiene su origen en la charanga francesa. La charanga francesa era un conjunto de música de cámara compuesto por cuerdas y flauta.  Este conjunto era muy utilizado en Francia en el siglo 18 para amenizar actividades de personas de alta clase social.  Las charangas francesas interpretaban mayormente valses y contradanzas.  A principios del siglo 19 comenzaron a llegar a Santiago de Cuba grupos de haitianos procedentes de Francia quienes comienzan a incorporar la tradición de la charanga francesa en Cuba.  Además de las cuerdas y la flauta utilizaban los timpani como recurso percutivo. Con el tiempo se sustituyeron los timpani por los timbales cubanos.   


En sus inicios las charangas no tenían piano y fue el pianista y compositor cubano de origen francés Antonio María Romeu quien para la primera década del siglo 20 lo integra a la charanga francesa. Romeu también añadió el timpani y el güiro a la charanga aunque más adelante sustituye el timpani por el timbal.  La charanga del maestro Romeu se distinguió por sus interpretaciones de danzones antiguos.
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 Improvisar en estos danzones se convirtió en una tradición especialmente para los flautistas. Algunos de estos flautistas lograron un nivel de excelencia en la improvisación. Esto resulta meritorio ya que la flauta utilizada en ese entonces era la flauta de madera de 5 llaves inventada por Georg Tromlitz de Bavaria a principios del siglo 19. Las interpretaciones con este tipo de flautas eran mucho mas complicadas que con la flauta moderna que utiliza el sistema Boehm. Conseguir la afinación en estas flautas antiguas resultaba bastante complicado.  Algunos flautistas de charanga todavía prefieren utilizar la flauta antigua de 5 llaves por su facilidad para tocar en cuatro octavas y para mantener la tradición.  Sin embargo otros flautistas como Richard Egües (flautista original de la Orquesta Aragón) prefieren la flauta moderna del sistema Boehm porque su afinación es mas precisa. 




Para entender sus origenes, viajemos mentalmente a la isla de cuba durante la primera mitad del siglo XX, e imaginemos esas fiestas o ferias populares en las cuales los músicos aficionados trataban de emular a las orquestas ya reconocidas de entonces interpretando los sonidos cubanos. La Charanga surge allí, del ruido generado por una orquesta bufa, con instrumentos muchas veces improvisados en el que todos terminaban sonando igual al unisono. Si!!! eran un monton de ruido sonando en la misma nota, sin director ni partituras ni frac,... el tema era: A soplar!!! e improvisar y nada mas.
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Los Franceses dicen que ellos fueron quienes dieron origen a la charanga con su "música de cámara" que llegó a cuba a finales del siglo 19, sin embargo es dificil imaginar una verbena popular celebrando al son de Haydn o Bramhs... 

Si bien en su evolución, la charanga fué adoptando los sonidos de la flauta de 4 llaves, el piano, el guiro y el timbal, fueron los musicos de ascendencia cubana en NewYork, dada la influencia que tenia la musica cubana en los latinos de NewYork, quienes que llevaron este ritmo a otro nivel integrando el piano, el guiro, la Flauta, el Timbal, Conga, Bajo y violín que se convierten en los instrumentos que conforman hasta el dia de hoy la Charanga (en Colombia los músicos le añaden un acordeón en ocasiones).

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 Pero la charanga tiene un gran exponente que es el maestro Pacheco que  en 1960 forma su primera orquesta llamada Pacheco y su Charanga
 
La orquesta firma con el sello Alegre Records con el cual vende más de 100.000 copias de su primer álbum titulado Pacheco y su Charanga Vol. 1. A partir de entonces y hasta finales de 1963,Se convirtió en una estrella de fama internacional y realizó giras en los Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina. Por otra parte "Pacheco y su Charanga", fue la primera banda latina en presentarse en Teatro Apollo en 1962 y 1963. 

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A fines de 1963 crea la disquera Fania Records junto a Jerry Masucci. En 1964, el sello lanzó su primer disco "Cañonazo", el álbum contaba con Pete "El Conde" Rodríguez como vocalista. En 1968 crea la orquesta Fania All Stars que contó en sus filas con artistas como Larry Harlow, Willie Colón, Hector Lavoe, Ray Barretto entre otros. Como ejecutivo de la compañía, director creativo y productor musical, Pacheco se encargó de lanzar las carreras de muchas estrellas jóvenes que formaban parte de la Fania Records.


No podemos dejar pasar por alto a Jose fajardo nacido en Guane, Pinar del Río, al occidente de Cuba, el 18 de octubre de 1919 y que por sus calidad de musico , se monto a la tarima con algunas de las más afamadas charangas, donde fue puliendo su estilo: desde la Romance Musical en 1933 hasta Melodías del 40, pasando por las que encabezaban músicos ya reconocidos como Armando Valdespí, Joseito Fernández, Paulina Álvarez, Pablo del Castillo y Neno González. En 1946 ingresa en Arcaño y Sus Maravillas, orquesta de primera división, adelantada a su época y de la cual partió 3 años después para fundar la suya propia.

La charanga un baile pegajoso y sabroso simpre estara aqui  dentro del  EL FULGOR CALEÑO


CELIA CRUZ.......AZUCAR


Úrsula Hilaria Celia de la Caridad Cruz Alfonso de la Santísima Trinidad mejor conocida por su nombre artístico Celia Cruz (La Habana, Cuba, 21 de octubre de 1925Fort Lee, Nueva Jersey, Estados Unidos, 16 de julio de 2003) fue una cantante cubana de son montuno, guaracha y salsa. Celia Cruz desarrolló su carrera en Cuba y Estados Unidos.

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Biografía

Celia de la Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez de La Habana 21 de octubre de 1925, si bien algunas fuentes señalan su nacimiento cuatro años antes, y otras en 1925, datos todos ellos de difícil comprobación dada la persistente negativa de la estrella a confesar su edad. Segunda hija de un fogonero de los ferrocarriles, Simón Cruz, y de la ama de casa Catalina Alfonso, Celia Cruz compartió su infancia con sus tres hermanos -Dolores, Gladys y Bárbaro- y once primos, y sus quehaceres incluían arrullar con canciones de cuna a los más pequeños; así empezó a cantar. Con otras canciones y nuevos forasteros calzó a todos los niños de la casa. Después se dedicó a observar los bailes y a las orquestas a través de las ventanas de los cafés cantantes, y no veía la hora de saltar al interior. Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición: su padre quería que fuese maestra, y no sin pesar intentó satisfacerle y estudiar magisterio, pero pudo más el corazón cuando estaba a punto de terminar la carrera y la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música.



Mientras tanto, Celia Cruz cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La corte suprema del arte, en los que obtenía primeros premios tales como un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango Nostalgias recibió en pago 15 dólares en Radio García Serra. Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México.

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Inicios profesionales

 

Antes de ingresar a la orquesta Sonora Matancera, Celia Cruz participó en un espectáculo musical y comedia titulado «La corte suprema del arte» donde compartió escena con cantantes destacados de la época como Aurora Linchetti. Poco tiempo después, participó en la Radio Cadena Suaritos, junto a una agrupación que interpretaba coros yorubas y ritmos de batá, logrando por esa época su primera grabación junto al cantante Obdulio Morales. Los temas que grabó en ese momento serían incorporados más tarde a una de las primeras compilaciones de su trabajo en formato de Larga Duración. En 1948, Roderico Rodney Neyra , fundó el grupo de bailarinas Las Mulatas de Fuego y Celia fue contratada junto a este grupo como cantante, que alcanzaron gran éxito y tanto así que llegaron a viajar a Cafarnaún en 1949. En Venezuela, es contratada para grabar sus primeros discos de 78 rpm comerciales por la disquera Comercial Serfaty, respaldada por la orquesta del venezolano Leonardo Pedroza, conocida como "Leonard Melody" los siguientes temas:
  • La Mazucamba (Orlando de la Rosa)
  • Quédate negra (Facundo Rivero)
  • Pa' gozá (Aurelio Martínez)
  • Que jelengue (José Antonio Méndez)
y con la orquesta del también venezolano Luis Alfonso Larraín conocida como Sonora Caracas:
  • Ya se Acerca la comparsa (Julio Blanco Leonard)
  • Comparsa Barracón (Bebo Valdés)
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También ese mismo año, el grupo viajó a México. Regresando a Cuba, Cruz grabó con la agrupación Gloria Matancera. Poco después fue contratada por la emisora Radio Cadena Suaritos. Llegó el año de 1950, cuando conoció al empresario Alberto Sotolongo quien la buscó porque quería que cantara con la Orquesta Sonora Matancera, ya que la vocalista y compositora Myrta Silva había decidido dejar la agrupación para regresar a Puerto Rico donde había adquirido una propiedad y quería disfrutarla, dejando disponible la vacante para una voz femenina. Su ingreso fue aprobado por el director de la agrupación, Rogelio Martínez.

Su época dorada con la Sonora Matancera

 

En CMQ Radiocentro existía un programa llamado "Cascabeles Candado" y cuya orquesta era la Sonora Matancera. Un buen día, Celia fue buscada y llamada por Sotolongo para ocupar la vacante que dejara Myrta Silva, recibiendo instrucciones para que fuera a Radio Progreso y se contactara con el director de la Sonora Matancera, Don Rogelio Martínez. Para esto, como ya conocía a Rodney, le pidió la presentase ante Don Rogelio y el encuentro se efectúo en el Teatro Blanquita. Rogelio Martínez pidió a Celia que fuera a Radio Progreso que era donde ensayaban de lunes a sábado de 9AM a 12PM que allí la esperarían. Llegó el anhelado día y con el primero que se encontró en el estudio fue con el que sería su futuro esposo: Pedro Knight que era el segundo trompetista de la Sonora. Habiendo llegado todos empezaron a ensayar, pero no sonaba nada bien, así que Celia como tenía sus arreglos que no coincidían con el número de integrantes de la Sonora, se los entregó a Severino Ramos para que los adecuara, y que la llamarían para cuando estuvieran listos todos los arreglos. Debutó con la Sonora Matancera el día 3 de agosto de 1950. Inicialmente no fue acogida por el público, mandando cartas al director y a la Radioemisora para que fuese cambiada, no logrando su objetivo. Rogelio Martínez, teniendo fe en ella fue a su casa discográfica SEECO Records, cuyo director y gerente era Sidney Siegel. Y allí hubo otra oposición ya que el criterio de Mr. Siegel, como le llamaban, era que las mujeres no vendían discos y no podían atreverse a cometer semejante error, pero aun así Rogelio, convenció al dueño retándolo y es así que grabó el 15 de diciembre de 1950 su primer disco de 78 rpm. Sus dos primeras canciones fueron:
  • Cao, cao maní picaó (José Carbó Menéndez)
  • Mata siguaraya (Lino Frías)

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Fue tal el éxito que Mr. Siegel dió el visto bueno y así Celia empezó haciendo sus grabaciones con la Sonora Matancera, unión laboral musical que duró 15 años. Sus éxitos inolvidables: Burundanga, Caramelos, El yerbero moderno, Tu voz, Ritmo tambó y flores, Pa' la paloma, Nuevo ritmo omelenkó, Vallán vallende, La sopa en botella, etc.

Carrera en el exterior

 

Salida de Cuba

El 15 de julio de 1960, ya iniciada la Revolución cubana dirigida por Fidel Castro, surge un contrato para la Sonora Matancera en México. Celia no imaginaba que jamás volvería a pisar suelo cubano. Cuando cumple el mes de estancia en México, recibe la noticia del fallecimiento de su padre Simón Cruz. Trabajaron en el Terrazza Casino desde el 22 de julio del mismo año hasta el 20 de noviembre de 1961. Ese mismo año la Sonora y Celia viajaron a los Estados Unidos y comenzó a actuar Celia sin la Sonora en el Palladium Ballroom en la ciudad de Nueva York. En 1962, se volvió a integrar con la Sonora Matancera siendo contratados por el empresario Guillermo Arenas. Adquirió una vivienda en Nueva York. Un día fatal para Celia llegó el 7 de abril de ese año, cuando se estaba preparando para actuar, recibe la noticia del fallecimiento de su madre Catalina Alonso, que venía luchando con un cáncer terminal de vejiga. Pero ese trago amargo se superó cuando el 14 de julio se casó en ceremonia civil con Pedro Knight. Luego hicieron gira por Europa con la Sonora Matancera y en 1964 cuando se encontraba en Japón se presentó con Tito Puente.


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En 1965, Celia culminaría una etapa vertiginosa de quince años con la Sonora Matancera. En ese lapso grabaría con las orquestas de René Hernández y Vicentico Valdés y termina su contrato discográfico con Seeco Records. Celia al quedar como solista, su esposo Pedro Knight decidió dejar su puesto en la Sonora Matancera para convertirse en su manager, arreglista y director personal, el 30 de abril de 1966. En este tiempo, Celia Cruz había adoptado la nacionalidad estadounidense. Ese mismo año, Tito Puente la llamó para trabajar junto con su Orquesta.

En 1966, Celia y Tito Puente iniciaron una asociación que editó cinco álbumes musicales. También grabó álbumes con la Orquesta de Memo Salamanca, Juan Bruno Tarraza y una placa discográfica con Lino Frías, todos ellos bajo TICO Records. Éstos álbumes no alcanzaron tanto éxito como se esperaba, pero uno que otro número si tuvo amplia difusión, como es el caso de Bemba colorá. Sin embargo, después de ello, Cruz se unió a Vaya Records. Un cambio musical la hizo ingresar a la salsa. En 1973, se alió con el pianista y artista exclusivo del sello disquero FANIA, Larry Harlow y encabezó un concierto de música afrocubana en el Carnegie Hall de Nueva York. Allí Celia Cruz interpretó Gracia Divina, su primera canción de salsa y la puerta a este nuevo ritmo. El álbum resultante de este encuentro fue producido por el ya desaparecido Jerry Masucci y quien es considerado uno de los creadores del género salsa junto al músico dominicano Johnny Pacheco. Posteriormente, participó en un legendario concierto grabado en vivo en el Yanquee Stadium con The Fania All-Stars, un conjunto integrado por líderes de grupos latinos que grababan para el sello Fania.

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Otros acontecimientos


Firmó Celia a largo plazo con la casa discográfica de Masucci VAYA (Subsidiaria de Fania). Es así que lanza su álbum "Tremendo Caché" en 1974 con Johnny Pacheco, que obtuvo el disco de oro y Celia pronto se unió a la orquesta Fania All Stars, que era una combinación de los músicos de cada orquesta que tocaba para el sello musical Fania. Con la Fania All Stars (Estrellas de Fania), Celia tuvo la oportunidad de visitar el Reino Unido, Francia y Zaire. Siguieron las grabaciones con Johnny Pacheco. En 1977, graba su primer disco con el respaldo del trombonista y orquestador de salsa Willie Colón, fusión que se repetiría en 1981 y en 1987.

Durante los años 1980, Celia Cruz grabó y realizó varias giras en Latinoamérica, dando múltiples conciertos y shows de televisión donde quiera que iba, cantando tanto con estrellas jóvenes como de su propia época. En 1982 se reencontró con la Sonora Matancera, y grabó el disco Feliz Encuentro. Ese mismo año, también se le rindió un homenaje en el Madison Square Garden, y la acompañaron todos aquellos que la respaldaron en su carrera artística y también artistas invitados. En 1987 en Santa Cruz de Tenerife fue reconocida por la editora del Libro Guinness de Récords, como el concierto más grande al aire libre que se mantiene en la actualidad, a ese mismo concierto en la Plaza de España de Santa Cruz, acudieron 250.000 personas (bailando la misma canción, junto a la orquesta venezolana del maestro Luis Maria Frometa, LA Billos Caracas Boys, esta fue su única presentación con la orquesta venezolana, a pesar de su vieja amistad con el maestro Billo. Viaja a Venezuela para participar por primera vez en el "Miss Venezuela", llevado a cabo en el majestuoso Teatro Municipal de Caracas. En 1988 participó en la canción: "Vasos Vacíos" con los Fabulosos Cadilacs. En 1989, ganó su primer Premio Grammy por el disco que grabó con Ray Barretto y también fue invitada para celebrar los 65 años de la Sonora Matancera en el Central Park de Nueva York, compartiendo escenario con sus antiguos compañeros como Daniel Santos, Carlos Argentino, Vicente "Vicentico" Valdés y Bobby Capó. En 1984 conoce al presentador chileno Mario Kreutzberger (conocido como Don Francisco), quien la invita a actuar en su programa Sábado Gigante que animaba en Chile y años más tarde en Estados Unidos.

 
En 1990, logra viajar a Guantánamo (Cuba), para dar un concierto. Cuando salió de esta presentación se llevó en una bolsa unos gramos de tierra de Cuba, la misma que pidió que fuera colocada en su ataúd cuando muriera.
En 1991, El 2 de febrero: Venezuela la homenajea con la firma del libro de la casa del artista.donde celia impuso su firma y huellas, dejando un bello mensaje de agradecimiento a Venezuela por su cariño y afecto. en dicho libro se encuentra las firmas de los mas reconocidos artistas en Venezuela,
En 1992 participó con los actores Armand Assante y Antonio Banderas en la película Los Reyes del Mambo. También participó en el homenaje discográfico que se le rindió a la cantante y actriz hispana Lola Flores, grabando a dúo con ella su ya famoso tema Burundanga; participa por segunda vez en "Miss Venezuela", compartiendo escenario con su amigo el sonero del mundo Oscar de León.
En 1993, bajo el sello discográfico del empresario Ralph Mercado (RMM Records), grabó su disco Azúcar Negra.

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En 1995 el 18 de marzo recibió un gran homenaje en Venezuela donde Celia obtuvo una estrella en el paseo de la fama de Caracas "Amador Bendayán", siendo su primera estrella en Sur América y el Caribe. fue honrada tambien con la orden "Alfredo Sadel" esta es una de las mas alta condecoración que otorga Venezuela a un artista, homenaje organizado por la casa del artista,momento muy preciado por la artista, ya que este fue el primer país en brindarle oportunidades de grabación y la apoyo en su desarrollo artístico.
En 1997, acepta un nuevo reto en su carrera al protagonizar para la red televisiva mexicana Televisa, la telenovela dramática El alma no tiene color. El 25 de octubre de ese año la ciudad de San Francisco declara ese día oficialmente para Celia Cruz.
En 1998 lanzó su disco Mi vida es cantar del cual sale uno de los temas que la identificó desde entonces, La vida es un carnaval, además de participar en el Teletón organizado en Chile por el presentador Don Francisco y de participar en La Gran Noche de Raphael, en España. Viajó a Venezuela para participar en la fiesta del aniversario N:40 de la Orquesta Venezolana "Los Melódicos" y la vida artística de su director Renato Capriles. En esa festividad compartió escenario con artistas de la talla de: Oscar de Leon, Andy Montañés y otros más...
Otro hito destacable en su carrera ocurrió en 1999, cuando fue invitada por el tenor italiano Luciano Pavarotti para participar en Módena (Italia) en el concierto Pavarotti and Friends. También ese mismo año firmó un nuevo contrato con la empresa transnacional Sony Music para la cual realizaría sus últimas grabaciones.
En el 2000 es invitada al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en Chile donde se presenta con gran éxito y gracias a su simpatía y excelente calidad vocal es escogida por los periodistas que cubren el evento como la Reina del Festival de Viña del Mar. El mismo año es nominada al Grammy y lo gana por su álbum Celia and Friends, sin pensar que ese mismo año Tito Puente, fallecía mientras era intervenido quirúrjicamente. En el 2001 nuevamente gana el Grammy por su disco "Siempre Viviré".viaja a Venezuela para promocionar su disco "Yo Viviré", realizando una amplia gira por todo el país sudamericano.


Sus últimos años

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En el 2002, grabó un nuevo álbum, La Negra tiene Tumbao, en el cual Johnny Pacheco fue uno de los productores y en el que incursiona en las variantes modernas de los ritmos caribeños, influidos por el rap y el hip hop.
Como lo organizaron en el año 2001, ella viajó a Venezuela para celebrar sus 55 años de vida artística, con una bella presentación en el canal 4 Venevisión. Firmando el libro de La Casa del Artista, como ya lo había hecho en el año 1991 en otro homenaje, y 25 años después lo volvió a firmar para conmemora su 55 años en la música. Se ofreció un gran concierto en el Teatro Teresa Carreño, llamado "Celia, 55 años de música". Esa fue su última presentación en Venezuela. Al momento de finalizar el concierto se le notó un poco triste y dijo que cuando ella estaba en Venezuela se sentía como en su patria. y acotó que siempre llevaría a Venezuela en su corazón, esa fue su manera de despedirse de Santiago de León de Caracas.
Durante una presentación en México, sufre un percance de salud. A raíz de esto, se descubre que padece de cáncer en el cerebro (un glioma, tumor cerebral muy agresivo), sometiéndose a una operación para extirparlo a finales de ese año, para luego intentar retomar su carrera artística. Grabó un disco, su último, titulado Regalo del Alma. El 2003, su último año de vida, le fue ofrecido un homenaje por parte de la cadena hispana estadounidense Telemundo.
En el 2003 y a pesar de su enfermedad (puesto que el tumor había vuelto a crecer), se presentó en los Premios Grammy Latino, donde fue ganadora del premio, y participó en el musical cantando por primera vez en vivo "La negra tiene tumbao".
La tarde del 16 de julio de 2003, falleció en su casa en Fort Lee (Nueva Jersey). Después de su muerte, su cuerpo embalsamado fue llevado a Miami y Nueva York, de tal manera que todos pudieran rendirle homenaje. Su sepelio reunió a más de 150 mil personas en Miami, y similar cantidad en Nueva York. El sepelio de Nueva York constituyó uno de los más grandes que recuerda esa ciudad, superando incluso al de Judy Garland en el año


En el 2003 le fue dedicado en homenaje póstumo el prestigioso concurso "Miss Venezuela", donde participó su gran amigo Oscar de León. Celia había estado en dos oportunidades en este magno evento.
En febrero de 2004, su último álbum, publicado después de su muerte, ganó un premio póstumo en los Premios Lo Nuestro como mejor álbum de salsa del año.

Al año siguiente, fue publicada una biografía titulada Celia: Mi vida, basada en más de 500 horas de entrevistas con la periodista mexicana Ana Cristina Reymundo. Se planeó llevar al cine la historia de su vida y la actriz estadounidense Whoopi Goldberg, admiradora de la cantante, manifestó su interés en representarla, pero el proyecto fue rechazado en el 2005.

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A lo largo de una carrera de más de 50 años en los escenarios, cosechó multitud de éxitos, premios y reconocimientos. Es poseedora de una estrella en el Paseo de La Fama en Hollywood y Caracas, cinco premios Grammy, doctorados Honoris Causa de tres universidades de Estados Unidos, así como haber recibido en 1994 el premio National Endowment for the Arts, de manos del entonces presidente Bill Clinton, que constituye el más alto reconocimiento que otorga el gobierno de los Estados Unidos a un artista. Multitud de discos de oro y platino, una carrera donde grabó más de 80 discos, y fue acompañada por los más grandes cantantes de su tiempo, incluidos muchos de habla no hispana, son muestra del enorme reconocimiento internacional que recibió Celia Cruz, que justamente fue llamada La Reina de la Salsa.

En el 2004, los organizadores del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife le dedicaron la presentación de ese año a la cantante, como tema principal del carnaval. La Gala de Elección de la Reina del Carnaval se cerró con la canción "El Cielo Tiene Azúcar" compuesta por los autores canarios Gilberto Martín y Guillermo Albelo e interpretada por el grupo tinerfeño Sound Balera. La canción fue acompañada por todos los componentes de las comparsas del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife. También su marido Pedro Knight estuvo presente en este homenaje. Además, durante la Gala el alcalde de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife, Miguel Zerolo Aguilar, declaró a Celia Cruz como Reina de Honor del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife.